Rango, de Gore Verbinski

Saturada como está últimamente la cartelera de mil y una propuestas de cine de animación prefrabricadas, llenas de los mismos chistes aburridos que hace tiempo que dejaron de hacer gracia y con personajes que son meros calcos de la anterior producción en 3D de hace un par de meses (me sorprende la velocidad a la que sacan ciertos estudios sus “fantasías animadas”), llega a la cartelera Rango, de Gore Verbinski (director de Piratas del Caribe), una propuesta diferente, con sus virtudes y defectos, pero que se sale bastante de la tónica general en el cine de animación actual.

Un camaleón sin nombre (Johnny Depp) que vive solo y aislado del resto del mundo en su terrario, soporta su aburrida existencia y sus crisis de identidad representando obras de teatro de su propia cosecha con la única compañía de un pez de plástico y un cuerpo sin cabeza de una muñeca Barbie. Por un revés del destino su hogar es destruido y se encuentra perdido en el desierto. Desesperado y sediento, conoce a un Armadillo místico que le indica el camino a “Polvo”, un pueblo sin ley y con una terrible escasez de agua. Como nadie le conoce ahí y por su tendencia natural de camaleón a camuflarse, más que por el color (que no se le da muy bien) por la imitación de los que tiene alrededor, se presenta como Rango, un duro pistolero de leyenda. Las circunstancias llevan al pueblo no solo a creerlo, sino a nombrarle sheriff, con lo que empieza su buena vida. Pero el misterioso robo de las pocas reservas de agua que quedaban en el banco le lleva a iniciar una investigación para salvar a “Polvo” y a sus habitantes de la completa desaparición.

Como ya se ha dicho antes, desde el primer momento se ve que Rango es una película diferente dentro de la animación, pues resulta ser un un western menos infantil de lo que puede uno esperar al entrar en la sala, con secuencias y momentos muy interesantes pero que, supongo que para abarcar el mayor público posible, se ha quedado a medio camino entre una película adulta y una familiar, por lo que no acaba de ser ni lo uno ni lo otro. Personalmente creo que si se hubiera decantado por una película mas “adulta”, podría haber sido un film casi de culto, pero no hay que quitar méritos a los riesgos que se han corrido con chistes y humor más adultos de lo normal (tampoco faltan las gracietas fáciles para entretener a los niños), y unos personajes o situaciones para nada suavizadas o infantilizadas como la muerte o el alcoholismo.

Su parte más típica y de película familiar nos ofrece una historia bastante previsible en algunos momentos, que en el fondo no se sale nada del resto de producciones animadas de otros estudios (a saber “Ese antihéroe perdedor pero con encanto que termina triunfando en la sociedad”), pero este problema resulta más que compensado con su otra cara, la cara buena, un homenaje al western y al héroe del cine del oeste, con una realización más que llamativa claramente inspirada sobre todo en el cine de Leone, con planos muy poco habituales en el cine de animación actual que se agradecen mucho cuando la estás viendo. Recomiendo por cierto verla en pantalla grande, porque tiene imágenes muy hermosas, impactantes en ocasiones.

Además del estilo Leone, los homenajes al cine del oeste son constantes en el film: el Doctor borracho que tanto nos recuerda al Doc. de “La Diligencia”, un villano serpiente que se parece peligrosamente a Lee Van Cleef o la aparición del mismísimo "Espíritu del Oeste",que con un poco de imaginación sabréis ya quien es…generan un mundo que de alguna manera todos conocemos ya y en el que nos sentimos cómodos y muy a gusto.

Pero el punto fuerte de verdad en la película es su ambientación y puesta en escena, estupendas por cierto: el desierto, el pueblo de “Polvo” y sus diferentes decorados, la música tan “del género” que ha compuesto Hans Zimmer, una fotografía muy cuidada, poco habitual e interesante y sobre todo unos personajes extremadamente bien desarrollados artísticamente e incluso interpretativamente, los cuales fueron interpretados por sus dobladores con la acción rodada con cámaras y no solo poniendo su voz en el micrófono. No sé si esto habrá ayudado de alguna manera a la animación, pero sin duda los artistas de Industrial Light and Magic se han lucido en su trabajo y todos los habitantes de Polvo me han parecido mucho más vivos e interesantes que los de cualquier otra película de animación que haya visto últimamente, incluidas muchas de Pixar que ya es decir.

Mucho más se podría decir, pero mi consejo es que si queréis pasar un buen rato y ver un curioso western de animación, busquéis una buena sala de cine, siempre con gran pantalla y la disfrutéis tranquilamente.

Sabiduría Homérica

Homer Simpson.- "¿Sabe Señor Burns?, es usted el hombre más rico que conozco, mucho más que Lenny"

Señor Burns.- "Oh si...sin embargo, lo cambiaría todo por un poco más"

127 Horas, de Danny Boyle

Después del éxito que le supuso Slumdog Millionaire, Danny Boyle nos sorprende con una historia radicalmente diferente a su anterior trabajo, una historia que se ha visto muy perjudicada por las comparaciones con la reciente Buried (para zanjar el tema diré que me parecen ambas, películas estupendas, pero tan diferentes que sencillamente no pueden compararse) e incluso en mayor medida por el morbillo que despierta su trama, que la gente resume en “ah sí, esa del escalador que se corta un brazo para vivir”.

Sin embargo creo que “127 Horas” ofrece mucho más que eso, una historia ya no solo de supervivencia y lucha, sino de maduración y comprensión de uno mismo.

Para fastidiar un poco a los más morbosos, adelanto que el momento de la amputación propiamente dicho dura escasos minutos, y que, sin ocultar ni esconder nada en ningún momento, Boyle no se recrea en el asunto más de lo necesario. Tampoco es una película para ver alegremente, tiene escenas crudas que se deben ver con la mente muy fría, la amputación final resulta durísima y os puedo asegurar que te duele a ti también solo de verlo, pero necesaria como punto final a la lucha tanto física como mental del protagonista, Aron Ralston.

Esta lucha mental es uno de los temas a mi gusto más interesantes de la película, el ser humano contra sí mismo. Aron Ralston, entra en esa grieta siendo un tipo que hasta cierto punto podemos considerar inmaduro, incluso egocéntrico o egoísta (el mismo en uno de sus delirios se define como “un tipo que se cree un puto super héroe”), pero que saldrá de ese infierno personal siendo alguien diferente, sin duda mucho más “depurado” tras su paso por esa cueva que tanto nos recuerda al descenso a los avernos por el que cualquier héroe debe pasar. Esto, claro está, no será un proceso fácil, el escalador pasará un auténtico infierno de miedo, recuerdos, dolor, pena y odio hacia todo e incluso hacia sí mismo.

Todo llevado por una realización muy interesante de Boyle, que no solo sirve para mantener el ritmo de la narración, sino que en mi opinión consigue perfectamente plasmar todos los procesos mentales del escalador, golpeándote con todo tipo de recursos visuales para que tus pensamientos sean los mismos que los de Aron Ralston, desde la sed que pasa el protagonista hasta sus momentos más existenciales. Todo con la pura imagen y sin más conversación que la que el personaje dedica a si mismo con su cámara de video.

Y por supuesto la interpretación de James Franco, que hace un papel extremadamente difícil y que obtiene a la perfección, porque no es fácil sacar todo lo que vive el personaje a lo largo de su pesadilla sin hacerlo creíble y que nos pongamos en su piel. Franco lo logra y aunque lo más probable es que el Oscar de este año sea para Colin Firth (que también hace un gran papel en El Discurso del Rey), creo que 127 Horas, se merecería este premio a la interpretación tanto como la película ganadora.

Un punto positivo más para la película es su estupenda fotografía, que llena la pantalla de color, paisajes increíblemente bellos, planos extraños y fantásticos… puede parecer extraño para esta historia, pero pienso que le sienta muy bien para lo que quiere contar, enmarcando por cierto a Ralston en un escenario misterioso, aislado de toda civilización y que le llevará también al cambio interno que he mencionado antes.

No me gustaría dejarme en el tintero los interesantes planos del principio y final del film, masas humanas haciendo todo tipo de cosas juntas y al unísono: maratones, oraciones, salidas y entradas del metro en hora punta, carreras de San Fermín… planos que al principio pueden parecer interesantes aunque gratuitos y que tras todo el film el director nos los recuerda para ver otro de los temas que creo que se tocan en la película: la idea del ser humano como ser necesariamente social o del hombre en la naturaleza rondan toda la película por esos planos que creo enlazan muy bien (no parece casual la verdad), con la insistencia del director de mostrarnos hormigas, insecto social por excelencia, alrededor de Ralston durante todo su encierro.

Mucho más se podría decir al respecto, pero creo que lo mejor es que la veáis y disfrutéis por vosotros mismos, aunque eso sí, con los nervios bien templados.

El Show de Truman de Peter Weir

Truman Burbank es un hombre anónimo que lleva una idílica vida en una encantadora localidad costera llamada Seaheaven. Según los cánones del “american way of life” podría decirse que tiene una mujer perfecta, una casa perfecta, un oficio perfecto, un amigo perfecto…todo sería verdaderamente maravilloso si no fuera porque nada de ello es real sino un gigantesco decorado del programa de televisión más visto del mundo “El show de Truman”, que sigue la vida de su protagonista desde el día en que nació hasta, presumiblemente, el día que muera. El único que ignora que absolutamente todo son decorados, atrezzo y actores es el propio Truman, que ve su mundo como real y perfectamente normal.

El director de “Picnic at Hanging Rock” o la más reciente “Master and Commander” se lanzaba allá por finales de la década de los 90 a dirigir esta curiosa historia la cual nos vendieron como el verdadero salto interpretativo de Jim Carrey pero que resultó ser mucho más que eso. Peter Weir nos enseñaba una vez más con “El Show de Truman” su buen hacer a la hora de dirigir películas, de meterse al espectador en el bolsillo y hacerle partícipe de la historia como si estuviera dentro de ella, lo cual en este caso resulta un doble mérito al contarnos una historia dentro de una historia, enredándonos en las dos por igual.

Resulta muy inteligente por parte de Weir el modo en el que va desvelando las realidades que vemos en el film. En los primeros minutos, y gracias a una colocación muy cuidada de de la cámara, angulaciones, grandes angulares… asistimos como un televidente más, o casi como un voyeur omnipresente, a la vida de Truman y su rutina, pero ya notamos que algo chirría en Seaheaven. Con los primeros momentos de duda del protagonista sobre su mundo ya podemos ver la realidad de Truman en toda su amplitud junto con todos los espectadores que día a día siguen sus andanzas. También se nos presenta a Kristof, megalómano creador y realizador del programa e invisible antagonista de Jim Carrey interpretado por un estupendo Ed Harris, que rige los destinos en Seaheaven como un particular dios todopoderoso.

A partir de aquí se nos marca el curioso y macabro juego a dos bandas entre la realidad de Truman y la realidad “real”, metiéndonos con mucho talento el director a nosotros, los espectadores de la película (la realidad “real-real” creo que debería ser) en el saco de los espectadores que necesitan a Truman en sus vidas pero que sin embargo asistirán y animaran al héroe a su lucha por el conocimiento de la verdad que se le está negando. Resulta muy divertido vernos a nosotros mismos nerviosos esperando a que Jim Carrey se salve y de pronto observarnos como en un espejo y bajo la forma de cualquiera de esos televidentes que desde sus bares sofás o incluso bañeras desean exactamente lo mismo. Divertido si, pero nos da bastante que pensar.

Y es que bajo la máscara de comedieta que esta película puede tener, nos invita a reflexionar sobre muchas cosas serias, mucho más allá de la “crítica a los reality shows” que dicen que es este film. No, esta película nos ofrece mucho más. Temas como la relación del hombre actual con el mundo que le rodea, tan aparentemente limpio e inmaculado como Seaheaven por un lado, tan sucio y vil por otro, la pérdida de control del ser humano de su destino, el vacío que siente la gente en sus vidas, la cual les lleva a evadirse de las mismas y proyectar sus sentimientos y energías en algo irreal como el Show de Truman pero que, curiosamente existe por el único “personaje real” de la historia… hay más tela que cortar de la que puede parecer en un principio. De hecho y aunque todos estemos más que acostumbrados hoy día al fenómeno “reality”, creo que “El Show de Truman” está actualmente aún más acorde con el mundo que le rodea que el día en que se estrenó, lo cual por cierto es una pena.

Todo además escondido en una película divertidísima y terrible a la par, que nos da una de cal y una de arena constantemente y que no nos deja respirar, haciéndose cada vez más grande y trepidante hasta alcanzar un climax maravilloso con la escena de la despedida de Truman tras hablar con su “creador” Kristof. Escenas e imágenes tan geniales como el barco de Truman chocando contra el cielo pintado del set, el realizador que acaricia el rostro de Truman durmiendo proyectado en una pantalla enorme, la luna que se convierte en un foco para buscar a Truman en

la noche, el anuncio del programa a nosotros, los verdaderos televidentes, la escena de Truman en la agencia de viajes o las decenas de chistes que surgen de los fallos del programa como la lluvia que persigue a Jim Carrey por la playa la convierten en una más que interesante película para ver o revisar hoy día.

Y por cierto, Jim Carrey y Ed Harris están los dos tremendos en toda la película.

Mucho más se puede decir, pero mejor que la veáis y disfrutéis por vosotros mismos, así que, “Por si no nos vemos, buenos días, buenas tardes y buenas noches”.

The Tree of Life, de Terrence Malick

Aquí os dejo el trailer de la última película de uno de los pocos grandes maestros del cine que quedan en mi opinión, Terrence Malick.

Los que lo conozcáis enhorabuena, ya sabéis lo que vais a ver, y para los que no, pronto un nuevo post sobre el director y su filmografía en este mismo blog.

http://www.youtube.com/watch?v=fLPe0fHuZsc

Las Arañas, de Fritz Lang

Kay Hoog, un multimillonario aventurero, encuentra en el mar una botella con un mensaje de un profesor de Harvard que desapareció en Perú. Civilizaciones antiguas, un rescate, una mina de oro inacabable… Hoog lo tiene muy claro, debe embarcarse en esa aventura. Pero ya incluso desde antes de comenzar su viaje, el aventurero se topará con la organización criminal secreta “Las Arañas” y una de sus principales cabecillas Lio Sha, implacable y terrible antagonista de Kay Hoog, que por sus propios intereses, deberá impedir que el millonario emprenda su viaje.

Con esta premisa comienza la primera parte de “Las Arañas”, bautizada como “The Golden Sea”. La intención de Lang era rodar un serial en cuatro partes (Los seriales estaban muy de moda en aquella época con ejemplos célebres como “Los Vampiros” de Feuillade), de las cuales solo pudo rodar dos “The Golden Sea” y “The Diamond Ship”, dejando “The Secret of the Sphinx” y “For Asia´s Imperial Crown” tan solo escritas. Y a pesar de estar concebidas como un mero entretenimiento podemos ver ya el buen hacer de Lang a la hora de narrar historias.

En su vertiente “entretenida” sencillamente no se le puede pedir más a “The Golden Sea” y “The Diamond Ship”: lugares remotos y exóticos, viajes en barco, en globo, civilizaciones perdidas, rescates en el último momento, princesas, mapas, piratas, persecuciones, decorados y recreaciones impresionantes, acción, conspiraciones, suspense… vamos, todos los ingredientes que una buena película de aventuras debe tener, Lang ya los puso en estas dos obras.

El director fue durante toda su vida un gran viajero y esto queda plasmado en sus películas, sobre todo las que hizo en Alemania. Los decorados y el arte están muy cuidados, trasladándonos a Perú, México, India, una ciudad subterránea china o la maravillosa mansión de Kay Hoog. El responsable de esto, además del propio Lang que era muy cuidadoso en este aspecto, fue Otto Hunte, que también trabajará con Lang en las maravillosas “Los Nibelungos, 1923”, “Los Espías, 1928” y “La Mujer en la Luna, 1929”.

Otro colaborador vital de Lang en “Las Arañas” fue Karl Freund, director de fotografía de gran importancia en el movimiento expresionista. A pesar de que el expresionismo alemán no ha nacido “oficialmente” (El Gabinete del Doctor Caligari no se había estrenado aún y Lang rechazó este proyecto precisamente para rodar “The Diamond Ship”), las imágenes de “Las Arañas” son ya claramente expresionistas, llenas de fuerza y perfectas para la narración de una historia de estas características, sobre todo en capítulos con un aire más “sobrenatural” como las escenas ambientadas en la India, o los episodios de hipnosis que sufre alguno de los protagonistas.

Por si todo lo dicho sabe a poco no hay que olvidar el talento que tiene Fritz Lang a la hora de contar historias. Un uso inteligente del montaje, muy desarrollado para la época, transiciones espaciotemporales suaves, invisibles, dan a la narración el ritmo ágil y trepidante que una historia como esta pide, el original uso de los fundidos y encadenados para narrar y economizar tan propios del director o el hecho de poder ver como en 1919, incluso antes, tenían muy claro cómo usar el “cliffhanger” (el clásico continuara… que usa cualquier serie), hacen que ver esta saga muda sea todo un placer.

Es la “historia de aventuras ideal”, tanto es así que me extraña que ningún productor americano de estos que hacen últimamente remakes y adaptaciones de hasta el Comecocos, haya caído en lo interesante que podría ser sacar una saga actualizada (ojo, que cuatro películas les darían mucho dinero). Aunque bueno, mejor me callo no vaya a ser que alguno lea esto, le de por ver cine mudo, se saque una chapuza informatizada de la manga y nos jorobe el clásico.

Lo único a lamentar es que no pudiéramos ver el final de las aventuras de Kay Hoog”, porque lo que quedaba de la historia prometía de verdad.

Dodes´ka-den, de Akira Kurosawa

Seguimos con cine japonés y con otro de sus grandes maestros, Akira Kurosawa, en una de sus películas más representativas aunque menos contempladas, Dodeskaden.

Tras los problemas de producción de “Barbaroja”, el director japonés se encontró con grandes dificultades para sacar adelante un nuevo proyecto (Kurosawa no se encontraba precisamente en sus mejores momentos profesionales ni personales). Sin la ayuda de su estrella Toshiro Mifune por su tensa relación, y con una reputación tan baja que muchos decían que no volvería a dirigir más, el realizador se lanza al vacío para recuperar su prestigio perdido y callar algunas bocas.

Rodada en 28 días, la primera película en color de Kurosawa nos narra el viaje de un peculiar maquinista (el joven discapacitado mental Rokuchan) en su tren a un todavía más peculiar submundo de Japón, habitado por unos, todavía muchísimo más, peculiares ciudadanos. Asistimos a un pequeño periodo de la vida de los habitantes del barrio: unas lavanderas cotillas, una joven que vende flores de papel, un hombre y su hijo que, viviendo en un coche abandonado imaginan su casa ideal, dos amigos que deciden intercambiarse las mujeres sin que a ninguno (ni a ninguna) parezca importarle… un reparto coral y surrealista que, aunque supondrá una evolución narrativa en su cine, también nos da un retorno a otras obras del director en la línea de “Vivir”, dramas sociales con el tacto y el corazón que Kurosawa sabe dar a estas historias sin que resulten empalagosas, llevándonos de la comedia al drama más terrible en cuestión de segundos, pasando incluso por momentos terroríficos o surrealistas.

Ya desde su primera escena, este film tiene algo que atrapa, es diferente a otras películas del director, aunque perfectamente reconocible como película de Kurosawa con muchos de sus temas recurrentes: el mundo en ruinas, la maldad y la piedad, y su gran amor por la pintura, que se ve perfectamente reflejado en el nuevo elemento narrativo del que dispuso: el color.

Al tener la opción de usar el color por primera vez Kurosawa, que es más pintor que director, lo convierte en un medio de expresar sus ideas y pensamientos. Lo que sería una barriada gris en medio de los escombros de la civilización, el director lo pinta, literalmente, de un montón de colores que invaden toda la pantalla. Hasta la tierra y el cielo están pintados de mil tonos que tanto nos recuerdan a los cuadros del director, usando por primera vez esos fondos pintados que tan populares se hicieron en “Kagemusha”. El resultado es una película que muchas veces parece un cuadro impresionista en movimiento. Cada personaje, cada decorado y escena tiene su color y su luz únicos y característicos, lo que hace que durante el metraje, todo nos parezca siempre nuevo, hermoso, a pesar de la dura realidad de los personajes.

Está claro que hay un antes y un después en el cine de Kurosawa tras esta película. En sus futuros films el modo de narrar del director cambia radicalmente, tocando nuevos temas como el mundo de lo onírico, que desde esta película gana importancia en sus films hasta una de sus últimas obas “Los sueños”. De hecho, al finalizar este film, con el retorno de Rokuchan a su casa, los planos de los dibujos de su cuarto iluminados por mil luces de colores nos invita a sospechar si todos estos habitantes no son más que una ensoñación de locura del joven maquinista.

Todo esto y mucho más, como su puesta en escena tan teatral en ocasiones, tan cinematográfica en otras, las estupendas interpretaciones de los nuevos fichajes de Kurosawa, o el valor positivo y humanista que desprenden cada uno de sus fotogramas, nos regalan en definitiva una película única, maravillosa, que no puedes dejar de ver por su increíble belleza, mucho más innovadora y creativa incluso hoy día que bastantes películas vacías actuales, vendidas como maravillas de modernidad.